Article: Les bases du dessin au pastel sec par Sonia Recco

Bonjour, aujourd’hui je vais vous décrire les bases du pastel sec. c’est une matière extraordinaire. Lumineuse, salissante, elle est aussi très régressive puisqu’on en a plein les doigts… lisez-moi et n’hésitez pas à interagir si vous le voulez.

Histoire du pastel sec en bref

Le pastel sec a été inventé en Italie et en France au XV ème siècle. Il se présente sous forme de bâtonnets constitués de pigments minéraux, organiques ou végétaux et d’un liant.
Le liant utilisé pour le pastel sec est la gomme arabique. Les pastels ressemblent à des craies d’écoliers.

Dès le XVIII ème, Le pastel sec est utilisé, dans les œuvres abouties, pour le portrait car il permet de rendre des lumières éclatantes, des peaux de « pêche » et de superbes drapés. On l’utilise sur papier plus ou moins lisse selon le rendu que l’on veut obtenir.

Les bases du pastel sec :

Les bases du pastel sec sont savoir observer ce que l’on veut reproduire. Mais pas toujours besoin de savoir dessiner pour être bon coloriste. Vous vous concentrez sur les 3 plans qui structurent le motif en faisant attention de rendre le plan le plus éloigné clair et brumeux, le plan intermédiaire contrasté et donnez plus de détails au premier plan. Essayez de ne pas mettre le point « phare » de votre composition (s’il y en a un) en plein milieu de la feuille mais un peu décentré. Pour que l’œil du spectateur ne fasse pas le tour de votre production en un quart de seconde.  Et axez vous sur les ombres et les lumières. Ce sont elles qui donneront tout le volume à votre œuvre. Qui dit forte lumière dit forte ombre. Alors n’hésitez pas à contraster.

Vous pouvez utiliser un dessin au pastel sec d’un autre artiste comme premier modèle. Il sera cadré et les couleurs seront déjà sélectionnées par l’artiste. C’est très intéressant de décortiquer et de reproduire un artiste car on y apprend beaucoup.

Ensuite, il faut savoir qu’on ne fait pas de mélange de couleurs dans une palette comme pour l’huile, l’acrylique ou même l’aquarelle. On travaille plutôt par succession de couches colorées. Il faut donc une grande diversité de couleurs sous la main si nous voulons rendre certaines nuances d’ombre et de lumière. Et n’appuyez pas trop le bâtonnet de pastel sec sur votre feuille car le papier va finir par saturer et la poudre de pigment n’adhérera plus.

Les différents types de pastel sec:

Il existent plusieurs types de pastel sec.

• Les pastels durs qui ont la forme de bâtonnets carrés. Je les utilisent pour placer en quelques traits les yeux, la bouche, l’ovale du visage. Je place les ombres les plus importantes pour ne pas les oublier ou mal les placer dans le feu de l’action.
• Il y a les pastels semi-tendres que j’utilise avec une Terre d’ombre pour unifier tout le visage sans toucher aux yeux, nez, bouche et ombre que je traite dans un deuxième temps. Et j’estompe au doigt (bien sec) pour remplir les grains de mon papier car j’ai choisi de travailler sur papier texturé de 200 grammes/m². Il en existe d’autres: papier Ingres, papier calque,  papier rigide, papier velours, en bloc, en pochette, en feuille, coloré, blanc et pour les plus bricoleurs du papier de verre fin. À vous de tester plus tard. Mais au début choisissez plutôt un papier texturé pour son pouvoir accrochant et de minimum 200g/m² pour une bonne tenue.
• J’utilise l’estompage au doigt à cette étape. Si vous avez envie de travailler pas les « peaux de pêche », il faut alors estomper tout le long. Comme je préfère travailler en hachurant, j’estompe au début seulement. 
• Et il y a les pastels tendres et donc très friables et très volatils. Je les utilise pour mettre en valeur les peaux et les tissus qui sont à la lumière. Leurs couleurs sont étincelantes, vives et leurs tons clairs comme le jaune de Naples par exemple sont intensément lumineux. On y va par petites touches car ils accrochent bien au papier et s’effritent vite.
• Pour les yeux et certains détails que l’on veut faire ressortir, Il existe les crayons pastels, sous forme de crayon de bois. Leur mine est de pastel dur, il faut donc les utiliser avant de mettre vos couches de pastels tendres.

J’utilise les sections pointues des pastels tendres cassés pour les petits détails que je veux lumineux. Rien ne se perd! Je travaille par petites zones de même valeur puis j’unifie le tout avec des ombres fortes, à la fin je monte mes lumières.

le matériel de base pour dessiner aux pastels secs:

1. Plusieurs couleurs choisies en fonction du motif que l’on veut réaliser. Je donnerais plus loin des exemples de couleur.
2. Les 3 types de pastels secs pour ne pas saturer le papier trop vite.
3. Du papier un peu épais.
4. Des doigts propres et secs ;).
5. Un fixatif à vaporiser en extérieur.
6. Un sous-verre et un passe-partout ou du papier cristal.

Pour le format, vous pouvez faire comme vous le sentez mais ne commencez peut-être pas par une feuille trop petite. Un format au moins A4 pourrait être un bon début pour dessiner quelques détails. N’oubliez pas que les bâtonnets font 11 mm de diamètre. Que le pastel sec soit de section ronde ou carrée, ça fait gros. Vous pouvez commencer par une feuille blanche ou de couleur claire pour voir comment réagissent vos pigments. Je dis cela mais j’utilise presque toujours un papier noir car je trouve que mes couleurs (terres, ocres, oranges et rouges) ressortent mieux, c’est un choix personnel.

Quelques couleurs de base de pastel sec:

1. BLEU DE CÉRULEUM
2. BLEU DE COBALT
3. BLEU DE PRUSSE
4. CARMIN DE GARANCE
5. CARMIN
6. VIOLET DE GARANCE
7. VERMILLON
8. BRUN VAN DICK
9. OCRE ROUGE
10. OCRE JAUNE
11. JAUNE BRILLANT
12. JAUNE DE CADMIUM ORANGE
13. JAUNE DE NAPLES
14. VERT DE VESSIE
15. VERT ANGLAIS
16. TERRE DE SIENNE NATURELLE
17. TERRE D’OMBRE BRÛLÉE
18. NOIR D’IVOIRE
19. GRIS DE PAYNE
20. BLANC

C’est une liste non exhaustive car votre palette peut contenir plus de verts différents si vous comptez dessiner des paysages ou des fleurs, plus de bleus si vous vous spécialisez en marine et en ciel… Je dessine des portraits aux peaux brunes alors ma palette possède plus de couleurs Terre, Ocre et Jaune.

Pour finir avec les bases d’un dessin au pastel sec:

Pour protéger vos œuvres au pastel sec, vous pouvez vaporiser un fixatif. À vaporiser en extérieur avec de amples gestes. Commencez par pulvériser en dehors de la feuille, cela vous permettra d’éviter les accidents comme les grosses gouttes qui sortent en premier et qui risqueraient de tâcher définitivement votre tableau. Mais il existe du papier pastel très abrasif (comme du papier de verre fin), de différentes couleurs qui accroche si bien les pigments qu’il n’est pas nécessaire de vaporiser un fixatif. Le fixatif ternit les lumières, alors, après séchage complet, vous pouvez rajouter quelques lumières par-ci par-là pour redonner de l’éclat. Si vous ne l’encadrez pas sous-verre et passe-partout, vous pouvez ranger votre œuvre dans un carton à dessin entre deux feuilles de papier cristal.

J’espère que cet article sur les bases du pastel sec a pu vous être utile. Verbaliser un ressenti n’est pas un exercice simple. La peinture est un langage, une autre façon de communiquer et donc expliquer la peinture c’est comme traduire un texte dans une autre langue: on y perd du sens selon moi.

Postface

On m’a reproché de parler souvent en mon nom. Désolée si cela gêne la lecture. Mais je ne peux pas parler de peinture de façon universelle. Il n’y a pas qu’une seule pratique mais plusieurs. Et je ne connais pas toutes les manières de peindre car je ne suis pas historienne de l’Art, mais une peintre parmi des millions de peintres.

En effet, je parle de ma pratique qui est un mixe de cours théoriques à la fac, en écoles, d’observations auprès d’artistes, d’expérimentations personnelles et de préférences. mais ce n’est qu’un exemple parmi d’autres. C’est en lisant et en regardant différentes façons de peindre et de penser l’Art que l’artiste et donc sa Peinture peut évoluer car les pratiques et les techniques iront soit à contre-pied de ce qui se fait sur le moment, soit deviendront plus abouties car réfléchies.

Faîtes-vous votre propre idée, observer des tutos d’autres artistes et développer ce que vous ressentez le mieux. Le monde est en constante évolution et il en va de même des motivations, des interrogations et des pratiques des peintres. Elles s’inscrivent toutes dans une remise en question du monde dans lequel on vit, de soi, de son art et de l’Art en général. Les avant-gardistes révolutionnent le monde, les « Classiques » sont réfractaires au changement, et les autres cheminent en s’appropriant le meilleur de l’ancienne technique et de la nouvelle. Ainsi va le monde.

La peinture est-elle morte? Quelques exemples de changement dans la peinture:

Par exemple, l’invention de la photographie en 1839 a remis en question la pratique du portrait réaliste en peinture. La peinture était morte disaient certains peintres. Les artistes ont alors cherché une autre manière de peindre. Il se sont servis des photos pour améliorer leur dessin sur le mouvement et leur approche de la lumière. De nouveaux courants sont apparus et la peinture a perduré…

L’apparition de nouveaux outils comme le tube de peinture a permis à l’artiste de sortir de son atelier pour « peindre sur le motif ». Certains peintres sont sortis de leur atelier. Une nouvelle pratique est née : peindre vite avant que le soleil tourne et que la lumière change…

À une certaine époque, les recherches artistiques sur la couleur comme seul point important du tableau ont poussé les peintres à épurer leur tableau le plus possible. Ils cherchaient à trouver l’essence même de la peinture, avec une réflexion sur la lumière. Certains peintres sont allés jusqu’à inventer le monochrome (une seule couleur sur le tableau). La Peinture était encore soi-disant morte… Et pourtant, elle s’est réinventée et a survécu.

Tout cela pour dire que les pratiques évoluent et qu’il n’y a pas qu’une façon de peindre. L’important est que vous trouviez la meilleure façon de peindre pour vous, les outils qui vous conviennent le mieux et que vous arriviez à exprimer picturalement ce que vous voulez. Pour cela il faut observer ce qui se fait autour de soi et oser gâcher des pigments. 

Bonne peinture à vous…